Como terminar de fazer seu filme - e fazer com que as pessoas o assistam de verdade

Depois que você termina de gravar um filme, há pós-produção e, você espera, um acordo de distribuição. A quinta e última parcela de nossa série.

Como terminar de fazer seu filme - e fazer com que as pessoas o assistam de verdade

A última foto de Beatbox , o filme com o tema beatboxing em que venho trabalhando como produtor há vários anos, estava na lata proverbial. Nosso editor, Christopher Branca ( Página um: Por dentro do New York Times ) analisou mais de 100 horas de filmagem para unir um corte bruto. E tínhamos acabado de receber a notícia de que éramos um dos 10 filmes de longa-metragem entre 500 inscritos para o Independent Filmmaker Labs, que elogiou a promessa excepcional e a visão criativa do nosso filme.

Com sede em Dumbo, Brooklyn, em uma instalação de última geração que abriga o Independent Filmmakers Project (IFP), o Independent Filmmaker Labs é semelhante a uma incubadora de startups, trabalhando com cineastas novatos para ajudá-los a terminar seus filmes. Os laboratórios prometeram nos conduzir nas próximas etapas. Receberíamos orientação, suporte e aconselhamento individual dos principais especialistas técnicos, criativos e do setor. No final das contas, nosso objetivo era exibir em festivais de cinema e conseguir aquele acordo de distribuição muito evasivo. Afinal, de que adianta fazer um filme se ninguém pode vê-lo?

Afinal, de que adianta fazer um filme se ninguém pode vê-lo?

Foi uma jornada longa e tortuosa até este corte bruto, uma jornada que levou cinco anos desde o momento em que meu parceiro de produção, Jon Furay, e eu tivemos a ideia de definir um filme no mundo do beatboxing. (Você pode reviver nossas aventuras nas primeiras quatro partes desta série. Na primeira parte, expliquei por que fazer um filme é como lançar uma startup. A segunda mostrou como um bom roteiro é como uma boa ideia para uma startup, mas você precisamos de muito mais para atrair investidores. No terceiro, falei sobre o produtor de linha, que desempenha um papel vital em qualquer filme. O quarto detalhou os vários desafios técnicos que superamos durante nossas três semanas de filmagem no Brooklyn.)



Encontrando o Editor Certo

Embora haja grande satisfação em terminar uma filmagem, a pós-produção é onde a mágica acontece. É o alto brilho de uma pedra preciosa; ele pega um filme bidimensional e o transforma em uma experiência imersiva, que não é apenas um deleite para os olhos, mas estimula seus outros sentidos. É quando você aprimora sua narrativa por meio da edição para que cada cena se encaixe perfeitamente na próxima. Você investe em design de som para adicionar ruídos ambientais, como o som de passos enquanto os personagens se arrastam pela rua. A cor do filme é consistente em toda a parte, de cena a cena, e músicas e títulos são adicionados.

Embora haja grande satisfação em terminar uma filmagem, a pós-produção é onde a mágica acontece.

A primeira pergunta que enfrentamos em nosso primeiro seminário Independent Filmmaker Labs foi: Quanto dinheiro havíamos orçado para a pós-produção de nosso filme de beatboxing? Bem, como a maioria dos cineastas operando com poucos recursos, não o suficiente. Após a filmagem, havíamos economizado alguns milhares de dólares, graças ao orçamento insuficiente. Quando somamos quanto custaria a edição, música, design de som e gradação de cores, obtivemos estimativas que variam de $ 40.000 a $ 70.000 e mais.

Como uma startup subfinanciada, sabíamos que teríamos que implorar, pedir emprestado e barganhar.

Um filme é tão bom quanto sua edição, por isso demoramos muito para entrevistar os editores. Procuramos alguém que tivesse trabalhado tanto em documentários quanto em longas-metragens, mas também tivesse experiência com música. E queríamos alguém com o temperamento certo para colaborar com nosso diretor.

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Cada candidato que encontramos veio com riscos. Por exemplo, um estava trabalhando com Beyoncé, então poderíamos pegá-lo por seis semanas antes que ele saísse para trabalhar em outra coisa. A carreira de outro cara estava em ascensão e ele estava mudando de um indie bem financiado para outro; não pensamos que poderíamos mantê-lo.

Então conhecemos Christopher Branca, que veio do mundo dos documentários - ele fazia parte de uma equipe de editores do programa indicado ao Emmy New York Times documentário Página um . Ex-baixista profissional, Chris de 37 anos trabalhou em um pequeno filme intitulado Teste que não tinha saído ainda e Grande estrela , um documentário baseado na música. Sabíamos que era uma vantagem para o nosso filme com tema musical ter um editor especializado em música. Além do mais, conhecer Chris é gostar dele, e ele imediatamente entendeu o que estávamos procurando.

Como editar um filme

Para Chris, como editor, tudo começa com o roteiro. No caso da narrativa, depois de ler o roteiro e ter uma ideia do tom, você pode descobrir como é o filme, ele diz.

Seu primeiro passo foi remendar um corte bruto, o que ele fez por conta própria, sem nenhuma contribuição nossa. Chris percebeu que não tínhamos muita cobertura, ou seja, filmagens adicionais feitas em diferentes ângulos de câmera. Uma cena pode ter a melhor entrega de uma linha, mas o ângulo da câmera não foi tão bom, ou a cena foi filmada bem, mas a atuação foi plana naquela tomada em particular. Isso era compreensível; éramos um filme de micro-orçamento e não podíamos continuar filmando o dia todo. Chris contornou isso sendo criativo, colando o diálogo de uma tomada em outra tomada de um ângulo de câmera diferente.

Cinco semanas depois, assistimos a um corte bruto completo. Embora tenha sido emocionante ver os personagens e as palavras do roteiro ganharem vida na tela - a história se sustentou bem e a atuação foi forte - o corte também ressaltou algumas deficiências. O começo se arrastou e sabíamos que tínhamos que chegar ao beatboxing mais cedo, já que as performances do beatboxing eram incomparáveis ​​e separavam nosso filme de todos os outros. Outras cenas podem ser melhoradas com cortes mais nítidos. Foi a música não beatboxing do filme, no entanto, que provou ser nosso problema mais irritante.

Tínhamos duas necessidades: a pontuação e a trilha sonora. Uma trilha sonora de filme (às vezes chamada de sublinhado ou música incidental) aprimora a história. Ele é executado em segundo plano. A trilha sonora é composta por canções que são usadas em um filme como parte da narrativa, não por trás da narrativa. Por exemplo, uma cena aconteceu em um telhado do Brooklyn e envolveu um círculo de beatboxers apoiando nossa atriz principal cantando I Want to See the Bright Lights Tonight de Richard e Linda Thompson, que nosso diretor, Andrew Dresher, reinventou criativamente.

Seja trilha sonora ou partitura, a música tinha que ser cativante, algo para fazer você se mexer na cadeira. Não poderia ser um loop do GarageBand. Também tinha que caber no filme. Algumas das faixas temporárias que Chris usou como espaço reservado, como Buffalo Stand de Neneh Cherry, um hit dance lançado quando o hip-hop estava entrando no pop mainstream, não refletiam o tom do filme que havíamos feito - um filme sobre ambição, amor e beatbox.

Todos contribuímos com ideias que podem ajudar a preencher melhor as lacunas, transmitindo músicas uns para os outros do Spotify. Uma banda que continuou aparecendo foi o Tribe Called Quest. Sabíamos que nunca teríamos condições de licenciar sua música, mas nosso diretor, Andrew Dresher, conhecia membros da banda Dujeous, um coletivo de hip-hop sediado em Nova York que começou em meados da década de 1990. Dujeous tinha semelhanças com A Tribe Called Quest. Andrew colocou Chris em camadas de trechos de suas canções, o que todos nós gostamos. Ter uma equipe bem conectada e cheia de pessoas como Andrew foi um recurso inestimável em todo o nosso processo de produção.

Ainda assim, este era um filme sobre música que se passa no mundo da música, mas de alguma forma não tínhamos nos estabelecido no DNA musical do nosso personagem principal. Ele deveria ser um compositor / músico e DJ em meio período que criava músicas de seu laptop em seu estúdio de gravação doméstico. Mas faltou um conceito coletivo para o que a música que ele tocou e fez soar, e essa falta de clareza afetou o coração do nosso filme.

Felizmente, conseguimos trazer Alex Fredericks, um executivo de mídia digital especializado em serviços musicais, gestão artística e produção. Ex-DJ, Alex soube imediatamente que tipo de música melhor refletiria nosso personagem principal. Parte disso teríamos que licenciar: a música que Pete toca em uma boate, por exemplo. As faixas que nosso personagem criaria no filme teriam que vir de compositores jovens e promissores com os quais nosso público provavelmente não estava familiarizado.

A música que Alex alinhou transformou nosso personagem principal.

Olhando para trás, no entanto, talvez nosso maior erro tenha sido não ter contratado um compositor e supervisor musical antes das filmagens. Se tivéssemos, provavelmente não teríamos deixado de pré-gravar as músicas e apresentações de beatbox. Em vez disso, fizemos isso ao contrário, dobrando o beatboxing e cantando após o fato, enquanto sincronizamos os lábios e bocas dos artistas com a música. Não foi um erro fatal, porque deu certo, mas acrescentou muitas horas adicionais aos processos de edição e gravação de música. Chris, nosso editor, foi originalmente contratado por 10 a 12 semanas, mas com todas as complicações, ele acabou dedicando 20 semanas ao filme.

Ao longo de vários meses, o produtor Jon Furay negociou licenças para usar Dujeous para partes da trilha, para nossa música recém-gravada de Thompson e para a música que Alex Fredericks trouxe para nós. Era um processo excessivamente complicado e as licenças tinham de cobrir festivais, teatros e streaming.

Freqüentemente, esses direitos são controlados por diferentes entidades e pode haver vários proprietários de cada uma, diz Jon. Você pode estar lidando com 20 pessoas para uma música e não tem muito tempo, não tem dinheiro, então isso pode ser um problema.

Como usar o som para contar uma história

Com o filme bloqueado, as edições concluídas, o beatbox e outras músicas adicionadas e o licenciamento garantido, estávamos prontos para o design de som. Abordamos o Dig It, um estúdio de mixagem e pós-produção de áudio em Manhattan, que tem um bando de filmes, TV e créditos comerciais - Com a nação , Soldado Universal: Dia do Juízo , Trabalho Interno , Joan Rivers: um pedaço de trabalho , Lewis Black: In God We Rust . Felizmente, o fundador do Dig It Audio, Tom Efinger, faz malabarismos com vários projetos de uma vez e concordou em permanecer dentro do nosso orçamento limitado, trabalhando em nosso filme durante as calmarias da madrugada. Embora a maioria dos filmes exija de cinco a sete semanas de design de som e mixagem, Tom e sua equipe concluíram o nosso em cerca de duas semanas por causa de nossas restrições de orçamento.

Todo filme precisa que algumas coisas básicas aconteçam para soar bem. Primeiro, há uma edição e mixagem adequadas do diálogo. Alguns diálogos devem ser feitos mais alto se o personagem estiver com raiva ou abatido durante momentos íntimos. Esse diálogo deve ser contextualizado dentro de uma cena, que também é onde os ruídos do ambiente entram em cena, agregando riqueza ao ambiente. Há uma diferença entre uma porta que abre e outra que não abre. Os sons da rua abaixo podem vazar pela janela. Se você está sentado à mesa de um restaurante, deve ouvir o barulho dos pratos se mexendo ao longe; sons mais próximos podem incluir um turbilhão de conversas humanas. Ao passar por uma cozinha, você poderá ouvir os sons de pratos sendo empilhados, água fervendo no fogão, um chef gritando com seu sous chef. O design de som é uma arte e pode alterar drasticamente a forma como o espectador vê um filme.

Gosto de dizer ao diretor: ‘Como você quer que esta cena seja? Tom pergunta, ou como você quer que o sentimento nesta cena mude? Talvez uma cena comece com um ambiente suave, mas no final há tensão - talvez o barulho dos pratos e os pratos no fundo se tornem abrasivamente altos. Ou talvez o som de um livro jogado sobre uma mesa pontue o diálogo. Nós nos perguntamos quais sons estariam lá na realidade, então brincamos com o ambiente de uma forma que aprimore a visão do diretor.

Depois, há efeitos sonoros que você não necessariamente vê, que Tom chama de efeitos de design. Eles também podem influenciar bastante a experiência do público. Digamos que você tenha um casal sentado para um café da manhã tranquilo em um café na calçada. De repente, na rua, fora do alcance das câmeras, você ouve um doberman rosnando. Isso criaria tensão na cena. Se, em vez disso, você ouvir o som de crianças brincando em um parquinho de algum lugar fora da câmera, criará uma atmosfera de esperança e felicidade.

Para Beatbox , Tom fez questão de enfatizar a musicalidade do Brooklyn, onde o filme se passa. Aproveitamos todas as oportunidades que tínhamos para dar voz à cidade e dar pequenos elementos rítmicos, pequenos toques que tornavam a cidade um personagem bem talhado.

Aumentamos o som de uma porta batendo, um barril de metal batendo escada abaixo e uma porta traseira hidráulica que se dobrou. Procuramos qualquer coisa que pudéssemos encontrar para subtons rítmicos, diz ele.

Tom diz que também se concentrou em fazer todas as cenas de beatbox soarem poderosas e realistas. Em uma cena que se passa em um telhado do Brooklyn, os beatboxers freestyle voltam para nossa personagem feminina principal. Nessa cena, Tom adicionou um pouco de açúcar, reverberação espacial (abreviação de reverberação, um som que ressoa em um espaço), para que o som pudesse soar.

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A reverberação tende a ser sexy e divertida, faz as coisas parecerem maiores, diz Tom. No caso em que o beatboxing mudou para ambientes de clube, adicionamos um reverb completo de estilo clube que faria com que soasse muito maior, para que você sinta que está diante de um sistema de som estrondoso.

Com o design de som concluído, passamos para a correção e gradação de cores. A correção de cores é a correção de imagens que perceberam erros: subexposição, superexposição, um objeto que é tão excessivamente brilhante que você precisa desfocá-lo. A gradação de cores vai um passo além. Ele muda a tonalidade das cores na imagem para implicar um certo sentimento ou emoção. Para Beatbox , o resultado foi um filme que parece brilhante, exuberante e profissional. Ele oferecerá uma experiência imersiva, seja transmitido em um iPhone ou em uma tela grande de um cinema.

Se uma árvore cair em uma floresta ...

Todo esse esforço teria sido em vão se não pudéssemos fechar um acordo de distribuição. As probabilidades estavam contra nós. Em 2015, quase 10.000 filmes foram produzidos, enquanto apenas cerca de 600 foram lançados. Faça as contas: apenas 6% dos filmes assinados conseguem um acordo de distribuição.

Em 2015, quase 10.000 filmes foram produzidos, enquanto apenas cerca de 600 foram lançados.

Felizmente, somos um desses 6%.

Alguns meses atrás, fechamos um acordo com a Gravitas Ventures para distribuir Beatbox . Nossa data de lançamento: 15 de novembro. (Pessoas podem pedido antecipado aqui.) Nosso caminho para a distribuição foi uma mistura de sorte e ser realmente bom em contar nossa própria história. Participamos da IFP Film Week no Lincoln Center, que coincide com o Festival de Cinema de Nova York. É como um encontro rápido para cineastas, programadores de festivais, agentes de vendas e distribuidores. Fizemos um pitch verbal para o filme, já que estava inacabado, e uma distribuidora manifestou interesse. Depois que concluímos, as negociações do filme se arrastaram e nosso advogado, Evan Krauss, do Gray Krauss, sugeriu que abordássemos Gravitas; então, as negociações foram concluídas com relativa rapidez. Definitivamente, eu recomendaria eventos como a Semana IFP para cineastas com um filme em busca de ajuda para distribuição.

Anna Roberts, gerente de vendas de mídia digital, me disse que a Gravitas lança entre 20 e 30 filmes por mês. Ela e seus colegas procuram filmes independentes com um potencial enorme.

Para termos uma chance em um cenário cinematográfico competitivo, precisávamos entregar a ela os produtos padrão que consistem em cinco elementos principais: o recurso, as legendas, o trailer, o pôster do filme e os metadados - o termo da indústria para sinopse, elenco, produtores, diretor , e tempo de execução do filme. Essas informações aparecem em todas as interfaces em que as pessoas assistem a filmes.

As pessoas olham para a arte do pôster por 1,5 segundo antes de decidir se querem olhar mais para um filme, diz ela. Com seu trailer, você só tem 60 segundos para convencer alguém a comprar ou assistir seu filme.

Enquanto você não vai ver Beatbox nos cinemas, você o encontrará no iTunes e estará disponível para streaming na Amazon, Vudu, Google Play, YouTube (o lado transacional) e Microsoft xBox. Beatbox também tocará na TV a cabo - Cox, Charter Communications, Dish Network, Verizon Fios e, no Canadá, Rogers e Shaw. Ninguém pode nos acusar de não aproveitar todas as plataformas digitais à nossa disposição.

Beatbox no iTunes

Avaliações e resenhas, diz Anna, são moedas. As classificações do IMDB são fundamentais. No iTunes, teremos que esperar críticas positivas do Rotten Tomato. Para obter qualquer crítica, precisamos de pessoas para assistir ao nosso filme. Esperançosamente, os comentários que eles nos deixam serão positivos.

Quase sete anos depois que eu encontrei clipes no YouTube de beatboxers e meu parceiro de produção Jon Furay, e eu imaginamos pela primeira vez um longa-metragem ambientado no mundo do beatboxing, nosso filme finalmente será lançado hoje. Nós colocamos nossos corações - e nosso dinheiro - neste filme. Aprendemos muito sobre o processo de filmagem à medida que avançamos. Agora cabe ao mercado determinar nosso destino.


Adam L. Penenberg é professor de jornalismo na New York University e produtor do BEATBOX.